El pasado lunes tuvo lugar la XVII Edición de los Premios José María Forqué en el Palacio de Congresos de Madrid, y allí estuvo Carlos Martínez Balsells, colaborador de www.tomacine.com para conseguir las declaraciones de todos los protagonistas de la noche. Desde su creación, en el año 1996, son considerados por la mayoría del sector audiovisual como uno de los más prestigiosos de nuestro país, y año tras año se convierten en cita obligada de todos los grandes profesionales de la industria. Además, muchos consideran estos premios como la antesala de los Premios Goya, por lo que su importancia y repercusión en el panorama cinematográfico actual es muy elevada. Dichos premios nacieron en 1996 con la intención de memorar al fundador y primer presidente de la EGEDA, José María Forqué, y con el objetivo de difundir la importancia de la industria audiovisual española e impulsar la figura del productor cinematográfico.

Por eso, y a diferencia de otros galardones, son los únicos premios elegidos entre más de 1.500 productores españoles. La gala de este año, presentada por los actores Álex O´Dogherty (que repetía por tercera vez consecutiva) y Pablo Puyol, estuvo inspirada en el boom de los musicales, que tanto se está repitiendo por todo el mundo tanto en cine como en teatro. Los ganadores de los máximos galardones fueron:

- Mejor película: No habrá paz para los Malvados (Enrique Urbizu)

- Mejor película de animación o documental: Chico y Rita (Fernando Trueba)

- Mejor Actor: José Coronado, por No habrá paz para los malvados.

- Mejor Actriz: Elena Anaya, por La piel que habito.

- Medalla de oro de EGEDA: Fernando Trueba.

A continuación, el video con las declaraciones de todos los ganadores, nominados, y demás invitados a los gala.

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El misterioso asesinato de un senador de los EEUU es el comienzo de este thriller de espionaje protagonizado por Richard Gere. Este acontecimiento, que lleva el sello de un antiguo asesino soviético de la Guerra Fría, Cassius, obliga a un agente jubilado de la CIA, Paul Shepherdson (Richard Gere), a formar parte de la investigación, ya que pasó toda su carrera tras la pista del mismo, pero un nunca consiguió dar con él. Con lo que Shepherdson no está muy de acuerdo es que tendrá un compañero en su investigación, un joven agente del FBI que realizó su tesis sobre Cassius, y por tanto, conoce muy bien al enemigo.

Personalmente estoy cansado de que hoy en día, con lo caro que es rodar una película, no veamos más que tramas poco originales cuyos argumentos se han tratado una y otra vez a lo largo de la historia del cine. Por eso, cuando comienzas a ver una película como esta y descubres lo que está ocurriendo, ya sabes lo que va a suceder en los próximos sesenta minutos. Además, cuando el problema no sólo es que el guión es muy deficiente, sino que la manera de llevarlo a la gran pantalla no es la más adecuada, la película comienza a ser bastante aburrida y, lo que más me molesta cuando pago por ir al cine, muy predecible.

Si Enrique Urbizu y su No habrá paz para los malvados fueron los triunfadores en los Premios Goya de este año, han tenido suerte de que Grupo 7 no entrara en la pasada edición de los galardones. Ambos films son del mismo género, pero hay una diferencia notable entre ellos: mientras que la película de Coronado tiene momentos que baja de intensidad y decae, Grupo 7 tiene un ritmo frenético, además de tener mejor guión y una trama más arriesgada.

Grupo 7 es un thriller policíaco ambientado en la Sevilla de finales de los 80, cuando la ciudad estaba preparándose para acoger la Exposición Universal de 1992. Inspirada en hechos reales, trata sobre el día a día de un comando policial antidroga compuesto por Ángel (Mario Casas), un joven aspirante a inspector, inteligente y compasivo; Rafael (Antonio de la Torre) un policía expeditivo, contundente y arrogante; y Miguel (José Manuel Poga) y Mateo (Joaquín Núñez), los socarrones del Grupo, capaces de las mayores brutalidades, pero también de inesperadas muestras de ternura. La película nos muestra las zonas más pobres y problemáticas de Sevilla hace veinte años, cuando la droga y la prostitución estaban a la orden del día.

Se acercaba la Expo´92 y la ciudad iba a mostrarse al resto del mundo. Por eso, un grupo de agentes policiales se encargó de que la ciudad fuera segura y la droga desapareciera poco a poco. Pero para este grupo, no existía una manera ética de actuar: eran violentos, abusaban de su autoridad, mentían…

La película tiene un comienzo tan fuerte que hace que el espectador se enganche desde el primer momento, consiguiendo mantener esa tensión durante todo el film. Cuando me enteré de la trama y que el actor protagonista era Mario Casas, no pude pensar en que vería una prolongación del Aitor de Los Hombres de Paco, donde además, no me gustaba en absoluto. Y no voy a ocultarlo, creo que todavía tiene muchísimo que mejorar, ya que demuestra que es un gran actor para las secuencias de acción, pero a la hora de mantener un diálogo muestra sus grandes carencias. Pero sin embargo, no sólo me creo el papel que interpreta, sino que me ha parecido que podríamos estar ante su mejor trabajo.

Stephanie Plum (Katherine Heigl) es una orgullosa chica de Jersey a quien no le falta carácter, a pesar de que lleva seis meses sin trabajo y de que las deudas le han hecho perder hasta su coche. Necesitada de dinero rápido, toma una medida desesperada: recurrir al indeseable de su primo Vinnie para que le haga un hueco en su agencia de fianzas. Su nuevo trabajo de cazarrecompensas consistirá en encontrar y llevar ante la justicia a clientes que no comparezcan en los juicios después de haber sido puestos en libertad bajo fianza. Aunque nunca ha visto un arma, irá a la captura del fugitivo más escurridizo de la empresa, un ex-policía con el que estuvo liada en su juventud.

La popular doctora Izzie de la serie de ficción norteamericana Anatomía de Grey, protagoniza este largometraje basado en una de las populares novelas de Janet Evanovich, que siempre han tenido un gran éxito y acogida. Por esta razón, decidieron intentar (ahora que está de moda) realizar una franquicia basada en estos libros, aunque el producto que han conseguido no creo que haga realidad el sueño de sus productores.

Además de ser una historia muy simple y sin ningún tipo de interés, no dejaba de encontrar similitudes con la también mediocre Ex-posados (Andy Tennant), protagonizada por Gerard Butler y Jennifer Aniston. Es la misma trama pero invirtiendo el género de los personajes.

Puedo llegar a entender que se hagan películas con unos guiones bastante poco trabajados, pero me parece sorprendente que este largometraje haya sido escrito por tres guionistas diferentes. Y además de televisión. La firma principal es de Liz Brixius, perteneciente al equipo de guionistas de la serie Nurse Jackie. Quizá eso justifique, en parte, la trama más propia de un capítulo de televisión y el intento de crear una franquicia.

Mary (Isabella Rosellini) y Adam (William Hurt) con un matrimonio de sesenta años felizmente casados. Pero su vida cambiará y comenzarán a tener problemas ya que cada uno se siente en una etapa muy diferente de su vida. Ella se ve más mayor de lo que realmente es, y él, el joven que era hace algunas décadas. Así que, en esa lucha interna de encontrar la verdadera etapa en la que se encuentran, se irán distanciando poco a poco.

¿Cuándo comienza la vejez? Ese es la pregunta que se hace Mary en esta comedia bastante fácil de ver y digerir. Y cada minuto que pasa lo tiene más claro. Ya ha llegado. Por eso, comienza a adaptar su vida a esa tercera edad de una manera tan extremista que el espectador no dejará de sonreír desde su butaca.

Muchas películas hay que traten sobre la vejez y la llegada de la misma. Aunque hay pocas que lo hagan con un gran sentido del humor. Siempre se ha dicho que en cine es más fácil hacer llorar que reír, y a mi parecer es totalmente cierto. Por eso, estar ante una comedia francesa que aborda la crisis de los sesenta a través de un guión muy divertido y original, compuesto por gags originales y que hagan pasar un buen rato al espectador es una delicia. Pérdidas de memoria, la soledad, falta de apetito sexual… todas estas cosas rodean a esa etapa de la vida en que comienza la vejez, pero llevarlo a la pantalla de una manera fresca y dinámica, sin caer en la frustración y el pesimismo es la nota positiva de la historia.

Los actores protagonistas están formidables: William Hurt ha vuelto a demostrar que es uno de esos grandes actores olvidados por los productores de Hollywood y que, cuando tiene ocasión, brinda al público buenas interpretaciones; e Isabella Rosellini está formidable en un papel de divertida excéntrica. Lástima que la batuta principal de la historia, la directora Julie Gavrás, no haya estado a la altura. Una escasa dirección basada en los principios básicos que inculcan a los futuros directores en los primeros meses de aprendizaje: para cubrir una secuencia de dos personajes puedes hacerlo con tres cámaras, plano general y plano contra plano. Como método de aprendizaje está bien, pero es algo muy simple y facilón para llevar a la gran pantalla, sobre todo si lo haces una y otra vez durante los ochenta minutos de la cinta. Una vez más queda demostrado como tener un apellido es garantía de poder entrar en esta industria (Julie Gavrás es hija del aclamado director griego Costa-Gavrás).

Pero no todo es tan malo como la dirección. Al buen guión y las buenas interpretaciones de los actores se une la banda sonora, compuesta por Sodi Marciszewer. Una música muy agradable, muy divertida, y que apoya en todo momento el tono cómico del film, anticipando en ocasiones algunos gags y preparando en el espectador una pequeña sonrisa.

En definitiva, exceptuando la dirección, se ha conseguido realizar una película bastante entretenida, recomendada para todos los públicos, y que sin duda, hará pasar un buen rato al espectador.

Puntuación:  

Carlos Martínez Balsells

@Carlos_M_B

Koldo (Diego Martín) y Clara (Leticia Dolera) están hechos el uno para el otro. Van a celebrar su enlace acompañados de sus seres queridos. Pero una negra sombra se cierne sobre ellos. En el día más feliz de sus vidas, el infierno va a desatarse.

[REC]3: Génesis era una de las producciones españolas más esperadas del año. La tercera parte de la primera franquicia de terror de nuestro país parecía que iba a hacernos pasar el mismo miedo que sus predecesoras… Pero no. Su director, Paco Plaza, ha querido innovar y dejar de lado el terror puro de las dos anteriores para crear una película mezclando dos géneros totalmente diferentes, el humor negro y el cine de género.

Esta tercera parte, que funciona en solitario, es dirigida por Paco Plaza, que ha asumido el riesgo sin Jaume Balagueró (que es productor creativo, ya que cuando se comenzó este proyecto estaba dirigiendo la gran olvidada de los premios Goya de esta pasada edición, Mientras Duermes).

El inicio de la cinta crea en el espectador la sensación de inquietud y, habiendo visto las dos primeras, el deseo de comenzar a sentir un escalofrío recorriendo todo su cuerpo. La cámara en mano (esencia principal de las dos anteriores), otorga mayor tensión, con una imagen sin estabilizar, desenfoques… Además, la presentación de personajes y el inicio, hasta que llega el detonante principal, es demasiado largo, por lo que esa sensación del espectador de querer comenzar a sentir terror va creciendo cada minuto… hasta que una serie de chistes y de gags la convierten en una comedia que además tiene un problema, el guión.

Podemos vaticinar que será una de las películas que más espectadores tenga el fin de semana de su estreno. También que su recaudación será bastante buena. Y que, como no, gracias a esos resultados conseguirán financiación para la próxima entrega, [Rec] 4: Apocalipsis. Pero seamos sinceros: [Rec ]3: Génesis no aporta nada nuevo a las anteriores, y su guión es bastante simple y sin ninguna historia de fondo. Y sé que por esto me lloverán críticas, pero en mi opinión, es una película más, me decepcionó lo que vi. Si hubiera sabido que se trataba de una comedia hubiera ido con otra actitud al pase para la prensa, pero incluso el tráiler oficial la vendía como una película de terror.

Si se valora como comedia, los chistes son divertidos, con críticas a sectores de la sociedad española, y que nos van a hacer pasar un muy buen rato. Pero repito que, por favor, el espectador vaya mentalizado de que se encuentra ante una película en la que no va a recibir la dosis de terror que espera.

Los actores han realizado un buen papel. Tanto Leticia Dolera como Diego Martín han demostrado una vez más que son presente y futuro de nuestro cine. Mención especial para Ismael Martínez, al que considero muy buen actor.

En lo que aspectos técnicos se refiere, son sobresalientes. Los efectos especiales y los zombies son lo mejor de la película. Una vez más han demostrado que en nuestro país se puede hacer un cine de calidad en estos aspectos, y creo que es una motivación para todos aquellos profesionales que quieren introducirse en este género y no lo hacen por miedo a no conseguir un buen resultado. [Rec] 3: Génesis está a la altura de los zombies de Hollywood.

Puntuación:  

Carlos Martínez Balsells

@Carlos_M_B

El Exótico Hotel Marigold, basado en la novela del mismo nombre de Deborah Moggach, intenta demostrarnos cómo nunca es tarde para encontrar el amor, la amistad, cumplir tus sueños, o incluso, tener la última relación sexual a una edad bastante avanzada.

Un grupo de jubilados británicos (Judi Dench, Bill Nighy, Maggie Smith, Tom Wilkinson, Penelope Wilton, Celia Imrie y Ronald Pickup) decide disfrutar de su retiro en la exótica India atraídos por la publicidad del recién renovado Hotel Marigold, embriagados con la visión de una vida de placer y lujo. Sin embargo, lo que encuentran a su llegada es la sombra de lo que este palacio fue en su día, e igualmente, se sienten desorientados por una India repleta de contrastes, que es al mismo tiempo embriagadora y aterradora, tradicional y moderna, hermosa y extraña. Al principio, se muestran inseguros acerca de lo que el futuro puede depararles, pero a medida que empiezan a establecer nuevas amistades y a realizar inesperados descubrimientos, se dan cuenta de que nunca es tarde para cumplir sus sueños.

Si hay algo que merezca la pena en este largometraje es, sin ningún tipo de duda, el reparto. Ellos son los encargados de salvar del suspenso una película cuyo guión es completamente predecible, a pesar de tener unos buenos gags y saber llevar bastante bien del humor al drama en unos pocos segundos.

Mark Wahlberg encabeza el reparto de este thriller sobre un hombre (Chris Farraday) que trata de mantenerse al margen de un mundo que ha luchado por dejas atrás, y de porteger a su familia a toda costa. Pero cuando su cuñado Andy mete la pata en un asunto de drogas, se ve obligado a volver a hacer lo que mejor se le da, pasar contrabando, para pagar la deuda del mismo. Formará un equipo y con la ayuda de su mejor amigo, Sebastián, hará su último viaje a Panamá para volver con millones dólares en billetes falsos.

Suele decirse eso de que, cuando uno decide contraer matrimonio, no sólo lo hace con su pareja, sino que también con todo lo que le rodea, incluyendo a su familia. Y ese es el detonante que hace que Chris Farrady regrese años después a su antigua profesión en una historia entretenida, pero poco original, y con un guión muy previsible.

Si en 60 segundos veíamos a Nicolas Cage volver a dedicarse al robo de coches para sacar de un aprieto a su hermano, o en La sombra de la traición (cuyo estreno está previsto para el 20 de abril) veremos a Richard Gere, ex-agente secreto volver a la CIA para atrapar a un criminal, en Contraband sucede lo mismo pero con un trasfondo diferente.

Aburridos estamos ya de películas como estas, en las que el protagonista debe regresar a ese pasado pasado oscuro una vez más.

La mujer de negro es una adaptación de la novela más conocida de Susan Hill, publicada en 1982 y llevada al teatro en multitud de ocasiones.

Una historia de terror convencional al más puro estilo del cine clásico de este género, ya que consigue inquietar al espectador gracias al suspense, los efectos sonoros y las localizaciones, sin necesidad de usar vísceras y sangre como reclamo utilizado en las películas más actuales.

Arthur Kipps (Daniel Radcliffe), un joven abogado viudo de Londres cuyo dolor ha puesto su carrera en serio peligro, es enviado a una remota aldea para resolver los asuntos de un excéntrico recién fallecido. A su llegada, pronto se hace evidente que todos los habitantes de la aldea guardan un oscuro secreto. Aunque la gente del pueblo trata de mantener a Kipps al margen de su trágica historia, éste pronto descubre que la casa que pertenecía a su cliente no está totalmente deshabitada… Nadie, ni siquiera los niños, estarán a salvo de la mujer de negro…

La gran pregunta que el mundo del cine se planteaba es si conseguiría Daniel Radcliffe liberarse del papel de Harry Potter en su primera película tras la saga. La respuesta es contundente, sí. A los pocos minutos nos hemos olvidado de que este joven proviene de Hogwarts. Pero eso no significa que haya hecho un buen trabajo, no está ni bien ni mal. Podría haberse lucido mucho más, pero ha elegido una buena película para quitarse el encasillamiento de niño mago.

Arrugas es un largometraje español basado en el cómic homónimo de Paco Roca, considerado uno de los más importantes de los últimos diez años. Una película de animación 2D que nos habla de la vejez en una residencia de ancianos.  
Emilio, un director de banco jubilado, es llevado por su familia a una residencia, ya que poco a poco el alzheimer se está apoderando de él. Allí establece una auténtica y profunda amistad con Miguel, su compañero de habitación. Ambos utilizarán algunas tácticas para que los médicos no se den cuenta del avance de la enfermedad en Emilio, que quiere seguir su vida con normalidad y de una manera digna, evitando ser trasladado a la planta superior, el piso de los asistidos.

En la historia del cine hemos tenido la oportunidad de ver muchas películas que trataban este tema (El hijo de la novia, El diario de Noa, ¿Y tú quien eres?...), pero lo maravilloso de Arrugas es que es totalmente diferente a todas ellas.  Si esta película se hubiera rodado con imagen real, habría sido una más y podría caer en el olvido, pero la animación 2D le da algo peculiar y único. Un dibujo limpio, sin grandes trazos, sencillo, y dejando en cada plano lo esencial para comprender la secuencia, hace que no se pierda el valor del cómic original. Es realmente increíble conocer los sentimientos de los personajes y que consigan emocionar al espectador con unos trazos tan simples y unos silencios que engrandecen cada plano.
Arrugas es divertida pero triste, dulce pero muy dura…  una de las mejores películas españolas de los últimos años. Con tan sólo dos nominaciones a los Goya de este año, por mejor película de animación y mejor guión adaptado, es cuando vuelvo a pensar que algo falla en la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de nuestro país… ¿por qué una película de animación no puede optar al máximo galardón de los premios, el de mejor película?