Juan Carlos Medina, director de "Insensibles", decía en la rueda de prensa posterior al pase para los medios, que se trataba de una película arriesgada, cuyo guión, aunque premiado en un concurso, poseía ciertos escollos que añadían algunas dificultades para poner en marcha el proyecto. Pues bien, después de todo, no ha salido tan mal.

En parte, es complicado situar la película en un género determinado, ya que se mueve entre el fantástico (del que reniega sutilmente el director) y el histórico. Ambos se funden con acierto consiguiendo un equilibrio que, por la diferencia temática, podía haber resultado algo forzado, sin embargo, la mezcla acaba por convencer.

No es la película del año, claro está, pero el cine español hace esfuerzos por mantener el interés del gran público mientras la industria de nuestro país pasa sus momentos más complicados. Sin duda, el afán de directores, productores y actores como los de "Insensibles", nos garantizan dos o tres películas al año que se distancian de la temática puramente social o urbana, para acercarse a un género como el fantástico, que es tan delicado como agradecido para el espectador, si el producto es medianamente bueno.

Medina y Luiso Berdejo, nos brindan un guión rico en suspense que se mueve entre la época actual y los convulsos años de la Guerra Civil, donde un grupo de niños impasibles al dolor siembran el estupor en un pequeño pueblo, cuyos habitantes no son capaces de explicarse lo ocurrido ni hasta donde pueden llegar esas aberraciones. A partir de esta idea, Juan Carlos Medina maneja el argumento para que, gradualmente, el filme llegue al momento de clímax sin que el público se agote con efectismos o saltos en el tiempo mal calculados. Las transiciones entre lo que se cuenta durante el conflicto bélico y el momento actual están bien situadas durante todo el metraje, lo que contribuye a que la expectación según avanza la película aumente positivamente gracias a la coherencia de un montaje sencillo y sin ampulosidades.

El pase para la prensa estaba a rebosar. Había expectación por saber qué había pasado con Jesse y Celine desde su último encuentro en el París de 2004, cuando en "Antes del Atardecer" volvían a encontrarse estas dos almas condenadas por el destino a unirse para siempre... o no.

Empezaré diciendo que no, que ni se os ocurra ver esta película antes de haber visto sus dos predecesoras. Es absolutamente obligatorio el hacerlo, porque es la única manera de llegar a este tercer acto de manera tan apasionada. Anhelarás conocer el rumbo que finalmente tomaron cada uno de ellos.

Lograr este interés tiene un mérito enorme porque la trilogía de Richard Linklater es un retrato minimalista que huye de los convencionalismos que se adueñan de las películas de corte romántico, consiguiendo escaparse de tópicos y reincidencias que diferencian lo extraordinario de lo vulgar. Es decir, es una trilogía pequeña, sin ningún atisbo de aparatosidad y que paradójicamente posee cierta épica.

"Antes del Anochecer" está, al igual que las dos películas anteriores, hecha desde el corazón, aspecto que, sin embargo, no evita que la coherencia, la agilidad y la claridad de ideas sea la nota predominante en la mayoría de tramos del filme. Podríamos pensar que dejar un guión en manos de ese entusiasmo de Linklater haría correr el riesgo de que se nublase el planteamiento y que la trilogía perdiese su naturalidad, pero el director vuelve a darnos una lección demostrándonos que amor, coherencia, creatividad y fidelidad a la idea inicial, pueden mezclarse para crear una obra que, en conjunto, puede parecer casi perfecta.

Tercera y última película de la franquicia de comedia, record de taquilla, del director Todd Phillips. Esta vez no hay boda. No hay fiesta de despedida de soltero. ¿Qué desastre podría ocurrir entonces? Pero cuando el grupo vuelve a viajar, cualquier cosa puede pasar.

Hay dos maneras posibles y lógicas de analizar The Hangover Part III. Una es como representación física e imparable de la fuerte influencia de las series de televisión en el panorama cinematográfico actual, tanto en el terreno de la comedia como del drama. Y la otra apunta directamente al nacimiento de The Hangover (Todd Phillips, 2009) como respuesta inmediata a la revolución Apatow. Empecemos por esta última. Hace unos años, en la segunda mitad de la década de los 2000, la comedia americana sufrió una beneficiosa transformación tanto a nivel narrativo como moral y, sobre todo, pasó a ser consciente de si misma. Eran las comedias dirigidas, escritas y producidas por Judd Apatow y su cuadrilla, integrada por nombres como Steve Carell, Jason Segel, Seth Rogen, Paul Rudd, Jonah Hill, Greg Mottola, Nicholas Stoller o Evan Goldberg, entre muchos otros. Muchos de ellos salidos del longevo show televisivo americano Saturday Night Live o de sus dos series anteriores, Freaks and Geeks (1999) o Undeclared (2001). Comedias como Superbad (Greg Mottola, 2007), Knocked Up (Judd Apatow, 2007) o The 40-Year-Old Virgin (Judd Apatow, 2005) mantenían el gamberrismo y la fidelidad hacia el eslogan “sexo, drogas y Rock and Roll” tan característico de los años noventa. Pero, a su vez, incorporaron elementos diferenciales al resto de producciones mayoritariamente dirigidas a un público adolescente. Cierto existencialismo perseguía a los personajes, culpabilidad, un concepto de la madurez propio de The Breakfast Club o Ferris Bueller’s Day Off (ambas de John Hughes, 1985, 1986) y, sobre todo, una vulnerabilidad emocional que permitía que los sentimientos fluyeran de los personajes al público sin ningún tipo de intermediario. ¿Dónde quedaban entonces directores como Adam McKay, los hermanos Farrelly, el propio Phillips, o productos como American Pie, Dude, Where’s my Car? o Not Another Teen Movie? Eso mismo debió pensar Todd Phillips, que contempló como sus chifladas Starsky & Hutch (2004) o School for Scoundrels (2006) nacieron con una prematura fecha de caducidad, frágiles en comparación con propuestas más sustanciosas. Ante este panorama, tomó una decisión inteligente. Junto a los guionistas Scott Moore y Jon Lucas, dieron forma a una especie de National Lampoon’s Animal House (John Landis, 1978) con The Hangover. No solo crearían la fiesta de todas las fiestas, sin ningún tipo de rubor ni conflicto ético en sus protagonistas, sino que se valieron de la conocida técnica del salto temporal para deconstruir el relato y aportar una elasticidad narrativa que le proporcionaba al film un toque fresco y descarado. Phillips, ya como guionista junto a Scot Armstrong y Craig Mazin, repitió la jugada un par de años más tarde con la segunda parte, con una estructura idéntica y buenos resultados. Había conseguido plantar cara al equipo de Apatow en su terreno y, al mismo tiempo, parecía estar reclamando y reivindicando el lugar que la comedia norteamericana desvergonzada de los últimos treinta años había ocupado. Pero claro, en esta segunda parte no solo se repite esquema sino que se desarrolla en Tailandia, después de que la primera fuera en Las Vegas. ¿Cómo superar eso sin qué parezca simplemente una versión más grande y extendida de las dos películas anteriores?

Esta nueva entrega de Star Trek se titula Into Darkness (En la oscuridad), siguiendo así la tradición de The Dark Knight (Christopher Nolan, 2008) y algunas otras películas de acción, consistente en presentar a un poderoso y oscuro villano en la segunda parte de una supuesta trilogía. Todo lo que anteriormente era blanco se torna oscuro y las fuerzas del mal y el pesimismo se apoderan de los héroes de turno. La pregunta es, ¿Cuál es el grado mínimo de maldad exigible cómo para qué merezca la pena alterar el título de tu película? Es decir, no basta solo con intuir que el villano es perverso o con decirlo muchas veces durante el metraje. Hay que mostrarlo. Hay que darle espacio para que se desarrolle no ya como demonio sino como un personaje dramático más de la función, con sus motivaciones, arcos, virtudes, defectos, dramas, traumas, etc. Obviamente estos personajes suelen tener un tratamiento diferente al resto, básicamente porque son diferentes al resto y suponen su reverso sombrío. Sin espacio, sin tiempo, sin personalidad aparte de los protagonistas, sin su propio mundo...no queda más que el típico Satán que quiere ver el mundo arder porque si, sin justificación narrativa aparente.