Pocos años después de Casablanca se estrenaba este film de Charles Vidor con Rita Hayworth como principal reclamo. Los paralelismos entre ambas son evidentes. Casi todo el film se desarrolla en un espacio cerrado, aquí un casino y en Casablanca el Rick,s. Ambos locales son gobernados por los protagonistas, Bogart y Ford (aunque este último no totalmente). Es una historia de amor que tuvo su parte álgida y turbulenta en el pasado, en el presente tan solo vemos las consecuencias de ese romance. En ambas hay una guerra de trasfondo. Tienen secundarios carismáticos como Tío Pio en la que nos ocupa o Peter Lorre en la obra maestra de Michael Curtiz. En ambas hay una relación de amistad con la policía. Las similitudes son claras, si algo triunfa, ¿Para qué desviarse del camino del éxito? Obviamente la diferencia está en la historia y en la dirección, probablemente las dos cosas más importantes de una película.
Aquí nos encontramos con un personaje femenino de gran carácter, que hace y deshace a su antojo.
o estrenaba película. Corría el año 2004 y Alexander Payne nos obsequiaba con una radiografía del dolor cotidiano a través de una road movie con los viñedos norteamericanos de fondo. Sideways ganó el Óscar al mejor guión adaptado y sacó del anonimato a un orondo actor que antes había encarnado magistralmente al recientemente fallecido dibujante de cómics Harvey Pekan en American Splendor. Si tenemos en cuenta sus películas, Payne es un tipo paciente, meticuloso y al que no le importa resguardarse un tiempo a fin de conseguir el mejor de los resultados posibles. Y así nació The Descendants, película heredera de Little Miss Sunshine, Up in the Air o la sobrevalorada e insoportable Juno pero con una pequeña diferencia: la sensibilidad. Y es que si por algo destaca esta pequeña historia ambientada en Hawai es por una sensibilidad incipiente que, de tan expuesta, duele. El filtro que los guionistas Payne, Nat Faxon y Jim Rash disponen para transmitir y radiografiar este dolor son los personajes. Es decir, no hay filtro. No hay argucias externas o giros de guión injustificables para lograr comunicarse. Los personajes, lo que vemos en pantalla, es lo único que hay para nosotros. Hay una maquinaria detrás de ellos que no podemos contemplar porque estamos hablando de algo tan intangible como es el ingenio. El ingenio puro no se ve, solo se siente. Como hacían Wilder, Capra, Hawks o, actualmente, Allen.
, Mar Adentro, La Vida es Bella, Crash...son películas. Algunas mejor que otras con algo en común: son manipuladoras. O por lo menos lo intentan. ¿Por qué ese afán desmedido por llevar al espectador al terreno deseado sin importar que medio usar para ello? ¿Por qué no dejar que él mismo se construya la historia y los personajes en la cabeza sin necesidad de "ayudas"? ¿Cómo tienen las santas narices Abi Morgan y Phyllida Lloyd de decirme que Margaret Thatcher era "x" cuando yo sé que es "y"? ¿Acaso saben más que los libros de historia y los historiadores que catalogan a la que fuera Primer Ministro de Inglaterra durante once años como uno de los gobernantes más extremos, déspotas y unilaterales que han existido jamás? Es una lástima que producciones como ésta sigan la estela de Oliver Stone y no de Frears o Hooper en cuanto a la utilización sin control del maniqueísmo más radical. Lástima porque la película tiene calidad cinematográfica suficiente como para haber prescindido de tales artimañas sin resentirse en absoluto. Contando con una de las mejores actrices de la historia como Meryl Streep, experta en humanizar todo tipo de personajes, estaba de más. La primera escena de una película suele adelantar el tono general del resto y aquí nos encontramos a una Thatcher vieja, sola y dándose de bruces con el horror de su pasado hasta yendo a comprar el pan.
a convertir en película de culto. No se sigue un patrón, aunque suelen ser películas marginales sin mucho eco en su presente pero que gozarán de él en el futuro. La ciencia ficción es el género estrella y este verano 2 películas combatían cuerpo a cuerpo para ganarse el favor el público en la memoria: Super 8 y Attack the Block. Oficialmente también estaban Paul y Cowboys & Aliens pero la primera carece de profundidad más allá del carisma de sus secundarios y la segunda...James Bond e Indiana Jones nunca se las han visto con alguien del "talento" de Jon Favreau, así que ni siquiera contaría. En el libreto de Joe Cornish (que también dirige) se encuentran las mismas señas de identidad del cine de los 80 que el sobrevalorado Abrams intentaba homenajear en la entretenida Super 8, con la diferencia de que el británico aboga por una falta total de escrúpulos, prejuicios y sin tomarse para nada en serio, consciente de que el cálculo milimétrico para que algo quede como un clásico del pasado solo consigue un efecto artificial y prefabricado.
La primera pregunta que abordará a los espectadores de esta nueva Jane Eyre es si realmente hacía falta otra versión, teniendo en cuenta que no moderniza el mensaje ni el contenido sino todo lo contrario. Apostando por un clasicismo casi reverencial hacia la novela de Charlotte Brontë e incluso a la primera adaptación al cine firmada por Robert Stevenson siendo interpretada por Orson Welles y Joan Fontaine. Vuelvo a recurrir al maestro Eastwood para recuperar su famosa afirmación de que no hay historias nuevas sino solo otras formas de contarlas. Y el director de Sin Nombre, Cary Fukunaga, así lo hace recurriendo a uno de los elementos más importantes del cine y a la vez menos valorados por el público medio: el montaje. A través de unos ágiles y sutiles flashbacks nos intercala pasado y presente, removiendo de esta forma nuestros sentimientos en un tiovivo de sensaciones que van desde la desesperación a la angustia pasando por la tristeza contenida. Recurso de director grande.
física de los humanos y más particularmente con la carne: su uso, su creación, su destrucción, su mutación. La relación entre lo cerebral y lo puramente estético siempre ha estado relacionado y suele tener una conexión umbilical en cada uno de sus guiones, casi siempre de autoría propia. Todo ello acompañado de un estilo visual que tiende al homenaje a la SCI-FI de los 50 pero aportando material de su cosecha. Eso se acabó desde 2005 con el estreno de su mejor película hasta la fecha, A History of Violence, donde el director de Scanners abrazó a la industria de Hollywood como un bebé a su osito de peluche. No se lo recrimino pues cada uno puede conducir su carrera como le plazca, pero desde entonces evidenció una de esas transformaciones de las que él era experto, con Eastern Promises y ahora en A Dangerous Method (y ojo que su siguiente proyecto es un thriller con Tom Cruise y Denzel Washington, con guión ajeno, The Matarese Circle). Muchos directores se han vendido a la industria pero han mantenido sus señas de identidad, su estilo, su forma. Sin ir más lejos, el reciente ganador del Óscar (no precisamente por una de sus obras maestras) Martin Scorsese, ha sabido integrar su habilidad y calidad artística en proyectos absolutamente comerciales (The Aviator, Shutter Island, The Age of Innocence) sin traicionarse a si mismo y sin domesticarse, cosa de la que Cronenberg no es capaz ya que apenas reconozco un par de planos y su obsesión psíquica en esta película. Desde luego, me hace replantearme si era el director apropiado para esta historia en beneficio de un Aronofski, Nolan o, en un mundo perfecto, Kubrick.
El Señor de los Anillos y Harry Potter han sido bendición y castigo para el fenómeno de masas Crepúsculo. Por un lado, la explosión de ambas sagas en los cines allanó el camino a la novela de la escritora mormona Stephenie Meyer, debido a la sed de sagas literarias para adolescentes del público. Pero, obviamente, sufre cuando es inevitablemente comparada a aquellas, muy superiores (sobre todo la perteneciente a Tolkien). Pero hoy en día no importa tanto la calidad del proyecto como la posibilidad de saquear sin tapujos a su público exponencial, siendo alumnos aventajados de la rata más legendaria que existe: George Lucas. Particularmente, no soy fan de las películas interpretadas por Stewart y Pattinson, y las primeras partes me parecieron una absoluta estupidez, salvando detalles técnicos. En esta ocasión, han acertado en uno de los puntos donde siempre erraban: La dirección. Catherine Hardwicke y David Slade son unos inútiles (aunque Slade rozó el cielo con Hard Candy) y el bueno de Chris Weitz se mostró absolutamente devorado por la franquicia quedando reducido a mero títere. Pero llegó Bill Condon, cineasta que será objeto de burlas por su apellido sin trascender que dirigió Dioses y Monstruos, Kinsey y que le proporcionó una bocanada de aire fresco al musical negro con Dreamgirls. Y con él, profesionales de la talla de Carter Burwell (True Grit), Guillermo Navarro (El Laberinto del Fauno) o Michael Wilkinson (Watchmen). El director neoyorquino imprime un ritmo pausado y estiloso al torpe libreto de Melissa Rosenberg, sabiendo reconducir con sus composiciones de plano situaciones poco menos que vergonzantes por momentos.
nuestros días. Esto es así. Una vez que la generación de los 80 da sus últimos coletazos en The Expendables y Bruce Willis ve cada día más cerca su retirada del género, el británico sigue en lo más alto desde que debutara hace ya 13 años con la brillante Lock & Stock and Two Smoking Barrels de su compatriota Guy Ritchie. El actor de Snatch se deja la piel en cada proyecto y es un auténtico profesional ya sea trabajando para Michael Mann (Collateral) o a las órdenes de Uwe Boll (In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale). Él, como sus misteriosos personajes herederos directos de El hombre sin nombre de Eastwood, no parece hacer distinciones entre un papel u otro y, si bien es cierto, eso puede jugar en su contra respecto a quedar encasillado, cuenta con un arma mortal de la que carece la nueva generación de nuestros días: carisma. Así, el actor menos dotado del film, se come a una leyenda viva como representa un desaprovechado De Niro y a un grande (aquí con un personaje cuya evolución se nota en la actuación) como Clive Owen. Mención especial para la escena en la que Statham aparece atado en una silla y lo que consigue hacer con ella. Es británico, Daniel Craig está ocupado rodando bodrio tras bodrio... ¿Un Bond imposible?
