A finales de 2007, las FARC colombianas anunciaron la liberación de Consuelo González de Perdomo, Clara Rojas y el hijo de tres años que ésta había tenido durante los seis años que estuvo en cautiverio. Esta operación que recibió el nombre de Operación Emmanuele, nombre del niño de Clara Rojas, y que a punto estuvo de costar un conflicto entre ambas naciones. Lo que sólo las FARC sabían en el momento que se anunció la liberación es que el niño de tres años no estaba en su poder, se lo habían dejado al cuidado de José Crisanto, un hombre de familia que vivía en las selvas colombianas. Crisanto llevó al niño al hospital sin el conocimiento de las FARC y en vista de las graves lesiones que sufría, éste le fue retirado y dado en adopción, haciendo que Crisanto se tuviera que ocultar de las guerrillas colombianas. Cuando volvieron a por él, tuvo que buscar la forma de recuperar al pequeño ante la amenaza de que pudieran asesinar a su familia.

Miguel Courtois ha demostrado en la hasta ahora breve filmografía que es un experto en tomar casos claves de la historia política reciente para urdir el thriller en ellos. Es algo que viene haciendo en su debut, cuando sorprendió a todos con la tensa, excitante y trepidante El Lobo, contando el caso de un agente que se había filtrado en las líneas de ETA durante los años 70. Un thriller vibrante que además se vio recompensado con un éxito en taquilla que la llevó a recaudar más de siete millones de euros en taquilla. En Operación E, lejos de buscar la denuncia (que existe y es palpable) a la situación que viven los civiles en Colombia por la presión de las guerrillas, se centra en la figura de ese padre de familia que se ve empujado hasta una posición comprometida. No hay rastros de la dura lucha política que se libró tras el caso, y tampoco le interesa demasiado a su realizador. Su afán está en amparar el retrato humano y agónico de una situación complicada, convirtiendo todo en un thriller de ritmo sosegado pero intenso, agobiante y a la vez sumamente entretenido.

Muchas veces hay tendencia a creer que el fanatismo y el conocimiento, aunque seamos incluso eruditos del tema, nos da carta blanca para realizar cualquier cosa relacionada con ese tema que nos apasiona. Eso es exactamente lo que le ha ocurrido al rapero RZA en su debut en la dirección, tocando un tema que conoce bastante bien, pero naufragando completamente. Posiblemente RZA se crió viendo películas grindhouse de Kung Fu, esto ha quedado bastante patente su música, o incluso en sus escarceos con el cine, dónde debuto como actor en un pequeño papel en aquella fantástica película de Jim Jarmusch, El Camino del Samurái. El estar rodeado de buenos contactos le ha servido para realizar una película que viene avalada con la producción de Quentin Tarantino, pero que se queda muy lejos de su Kill Bill, y con un guión escrito a cuatro manos entre el rapero y un Eli Roth, del que sólo se percibe su mano a la hora de ciertas de escenas macabras que casi se podrían entrar dentro de ese gore terrorífico del que tanto disfruta el director de Hostel.

La animación en España está de enhorabuena. Mientras que Tadeo Jones arrasó la taquilla del verano, y ahora lo anda haciendo fuera de España, la animación para adultos se empieza a posicionar entre las más importantes del mundo. Chico y Rita consiguió una nominación al Oscar, Arrugas aún anda cosechando premios en todos los festivales del mundo. Además se está mostrando un gusto exquisito a la hora de improvisar y probar nuevas técnicas. De la fantástica animación 3D de Tadeo o incluso Planet 51, a la tradicional de Arrugas. De la rotoscopia de Chico y Rita, al stop motion con muñecos que ahora nos presenta O Apóstolo. El debut en la dirección de Fernando Cortizo viene marcado por años de duro trabajo. Antes de O Apóstolo llegaron trabajos ya arraigados en leyendas gallegas, como aquel tétrico y terrible El Ladrón de Muñecas o el premiado El Cuidador de Gatos. Detrás de O Apóstolo hay un trabajo artístico de dos años de duración, con una película que se rodó fotograma a fotograma. El resultado es bárbaro, un trabajo cuidado en el que los muñecos toman vida por completo.

O Apóstolo nace también de las viejas leyendas gallegas. Un preso fugado llega a un pueblo perdido, y fuera de la ruta hacia Santiago, en el que un compañero de prisión guardó unos diamantes antes de entrar. Allí pronto descubrirá que cosas raras están pasando. Los habitantes del pueblo no son tan amables como parecían en primera instancia, y los turistas van llegando y desapareciendo continuamente. Eco de estas desapariciones, se hará también un arzobispo que llegará al pueblo tratando de resolver que es lo que ha pasado realmente.

En un momento en el que cine del terror parece marcado por dos caminos claros, el del “torture-porn” iniciado por SAW, y el de los fenómenos sobrenaturales y posesiones, sorprende y se agradece encontrarse con una película como Sinister. Realmente en los primeros compases de la película, parece que va a seguir el segundo rumbo, pero su realizador, Scott Derrickson, consigue desmarcarse de ello, usando lo sobrenatural simplemente como un vehículo pequeño a través del que construir una historia basada en miedo y debilidad. Formando básicamente todo lo que Insidious trató de ser, y no llegó a ser, desestimando el susto en beneficio de una grata atmósfera y un terror que se va inoculando al espectador poco a poco, sin tener que recurrir a estratagemas.

En Sinister nos encontrarnos con Ellison Oswalt, un escritor dedicado a resolver crímenes en sus libros que busca repetir el único éxito de su carrera. Para ello se mudará a una casa en la que años atrás apareció toda una familia colgada de un árbol. Allí, y con el rechazo de la policía, que le culpan de dejar su trabajo por los suelos, tratará de adaptarse y descubrir lo que se esconde ante tan macabros acontecimientos. Pronto encontrará una caja llena de películas en súper 8 llena de terribles asesinatos a familias a lo largo de los años. Esto levantará en él un instinto de sobreprotección sobre su familia, mientras que la obsesión por resolver esos atroces crímenes familiares cada vez se hace más fuerte en él.

Twitter es una gran herramienta, sirve para muchas cosas. Uno de los usos que más me gusta darle es hacer una crítica breve y rápida de las películas nada más terminar de verlas. Ya más tarde me explayo en sus críticas, pero siempre está bien resumir en los pocos caracteres que te ofrece twitter cuál es tu rápida opinión de la película. Así el otro día, cuando salí de ver Vulnerables, decidí poner un twit con la jocosidad que una película así merecía. El twit yo creía que era algo inocente, uno más. Era el siguiente: “Vulnerables es algo así como El Buen Hijo en Puerto Hurraco, es algo tan horrible y ridículo, que hace parecer a Paula Echevarría buena actriz”. Yo jamás esperé que ese twit tuviese la relevancia que finalmente demostró tener. Por qué la que hasta entonces para mí era poco más que “la mujer de Busta” demostró tener una legión de fans detrás que ríase usted de las Beliebers. Y así empezaron a insultar contra mi persona, en algo que a mí, dentro de mi perverso sentido del humor me pareció de lo más divertido, incluso se alzaban a gritar que era un “peliculón” y que Paula Echevarría ganaría el Goya a mejor actriz revelación. Un episodio de lo más divertido.

Pero dejemos de lado este momento puntual, tan divertido, que creo que merecía la pena rescatarlo antes de empezar la crítica de una película que sencillamente no hay por dónde cogerla. Vulnerables nos cuenta la mujer soltera que está esperando su primer hijo. Podemos seguir su embarazo con un prólogo en un “found footage” totalmente inexplicable. A los siete meses el niño nace con problemas en los pulmones. Un médico (desconocemos si era un médico de verdad, pero su intervención deja al Ruíz Gallardón de Holmes & Watson como merecedor de todo tipo de elogios) le da a la joven el consejo de que salga de la ciudad durante los primeros meses de vida del niña. Desempolvará las viejas cosas y volverá a la casa de sus padres en el pueblo, un sitio al que no volvía desde pequeña. Allí contará la ayuda de un viejo y perturbador amigo de la infancia, y su hijo, una adorable criatura, tenebrosamente cómica, con problemas de personalidad. Algo que sucederá a base del continúo “chún chún” de una banda sonora pésimamente usada y que trata de enfatizar a lo bestia cualquier pequeño momento.

Aunque a veces se quieren unir, lo cierto es que el cine y la literatura son medios muy distintos. Esto no parece haberlo tenido en cuenta los debutantes Brian Klugman y Lee Sternthal a la hora de realizar El Ladrón de Palabras. Una película de corte muy literario, que pese a estar basada en una idea original, pedía a gritos haberse realizado como una novela y no como un largometraje. Y es que aprovechando a contar una historia que nace desde esas palabras de las que habla directamente el título original, la película trata de asemejarse a un tono literario. Pequeñas narraciones nos van introduciendo en otras historias más pequeñas. Un juego que nos recuerda a las muñecas matrioskas rusas, o los sueños dentro de los sueños del Origen de Nolan. Pequeñas historias, narradas, en un alarde literario, con una omnipresente y bastante inapropiada voz en off.

La película comienza con Dennis Quaid leyendo su nueva novela en una universidad. En ella, algo que vendría a ser una pequeña revisión del mito de Fausto. Un joven novelista, niño de papá, trata como sea de convertirse en escritor, mientras que su padre le mantiene. Nada de lo que escribe logra ser publicado, pero un día llega a sus manos un viejo manuscrito. Tan absorto por lo que en él se cuenta está que decide reescribirlo letra por letra. Según cuenta, no lo hace con la intención de robarlo, si no de sentir que las palabras pasan por sus dedos. Cuando su mujer lo lea, se enamorará aún más de él, por qué según la novela saca su lado más auténtico, y le ayudará a publicarla. Por supuesto la novela es un éxito, y el triunfador se tendrá que ver las caras con el escritor original de la novela, que nunca busca sacar tajada de ello, solamente ¿torturar?.

El nombre de Genndy Tartakovsky es el de un viejo conocido para los amantes de la animación, creador de la serie de Las Guerras Clon (la original de animación clásica, que se estrenó junto al Episodio II) y de Samurai Jack, serie que le proporcionó más de un premio Emmy. Antes de eso, Tartakovsky nace de la cantera de Cartoon Network con colaboraciones en series como El Laboratorio de Dexter y Las Supernenas, no sorprende nada que para su debut en la gran pantalla sea con una historia que recuerda tanto a Scooby Doo. Y es que en esta historia repleta de monstruos, no podemos dejar de ver en ella el tratamiento inocente que tenía la serie de Hanna-Barbera, en una película que al igual de ella apela a la nostalgia que produce ver a todos estos seres, que ya forman parte del colectivo popular, recordándonos los que eran nuestros primeros medios.

Hotel Transilvania nace con una sencilla pregunta, si los monstruos existen… ¿Dónde van a pasar sus vacaciones? Ahí entra en acción el Conde Drácula, un padre que tiene que criar a su hija él solo (¿mataron los humanos a su mujer?), sobreprotector y regente de un hotel seguro para los monstruos y es que a él nunca llegaran los hombres. Todo el sistema de Drácula se viene abajo cuando un joven logre atravesar toda la protección y se presente en el hotel en busca de residencia. Drácula tendrá entonces que ocultar al joven, no sólo de todos los inquilinos, si no también de su adolescente hija que está celebrando ahora sus 118 años, deseosa de poder conocer el mundo y también con ganas de encontrar el primer amor.