Hace algún tiempo os ofrecimos, aquí en Tomacine, la primicia de una entrevista a un joven realizador español de cortometrajes: Javier Yáñez, que el redactor que suscribe este artículo tuvo la oportunidad de realizarle. Nos impulsó la curiosidad, también la admiración ante el trabajo de uno de tantos jóvenes valores anónimos que poco a poco van abriéndose camino en el difícil mercado del cine español.

Era su segundo cortometraje de terror: A través del Ocaso (Beyond Twilight), que con el paso del tiempo ha sido recompensado con algunos premios, certámenes internacionales incluídos. Teniendo en cuenta la escasez de los medios, lo limitado del presupuesto y la dificultad de hacerse un hueco en la profesión cinematográfica, debemos rendirnos a la evidencia: Un cortometraje más que digno, con un buen guión y un notable acabado visual. No sólo hay afición en este corto, hay, también, mucha ilusión, oficio y profesionalidad en el resultado.

Hoy, os traemos el cortometraje completo de A través del Ocaso, que en aquella ocasión no os pudimos poner, por compromisos profesionales adquiridos de su director: Javier Yáñez.

Existe en la sociedad un tabú a la hora de hablar de ciertos temas. Pueden englobarse dentro del día a día pero se ven muy lejanos por norma general. En Yo, también se atreven a adentrarse en el mundo síndrome de down sin complejos, tratando las cosas como son y sin caer en la compasión por ser personas "diferentes".

El cine ha dejado de lado este colectivo. Lo que buscan (y consiguen) Antonio Naharro y Álvaro Pastor, directores de la cinta, es hablar con naturalidad de la realidad de este mundo que lo vemos tan apartado, más si cabe si el argumento gira sobre el amor.

Si por algo se caracteriza el largometraje es por la sensibilidad con la que se ha tratado. Como bien decía su principal protagonista, Pablo Pineda, en una entrevista que publicamos, "las personas concienciadas son aquellas a las que les ha tocado vivir el síndrome de down de cerca". El entorno de Antonio Naharro es en este caso el involucrado, pues su hermana Lourdes padece síndrome de down. Así pues se explica la honestidad desde la que ha trabajado el equipo técnico de Yo, también.

Acaba de concluir la XXIV ceremonia de los Premios Goya 2010 con una sorpresa incluida, la reconciliación de Pedro Almodóvar con la Academia. El director manchego ha sido el encargado de otorgar el premio a la mejor película dejando a un lado (aunque sea por un momento) las rencillas que existían. El encargado de presentar la gala ha sido Andreu Buenafuente y sin duda ha sido un gran acierto, pues ha conseguido realizar una gala entretenida y amena.

Como se esperaba, la triunfadora de la noche ha sido Celda 211, película que ha conseguido 8 premios, incluyendo mejor película, director (Daniel Monzón), guión adaptado e interpretación masculina (Luis Tosar). Como mejor actriz protagonista ha irrumpido por "sorpresa" Lola Dueñas por su interpretación en Yo, también.

Ágora se ha tenido que conformar con 7 premios Goya, todos ellos de caracter técnico salvo por el conseguido de mejor guión original.

En cuanto al mejor film europeo la ganadora ha sido la británica Slumdog Millonaire de Danny Boyle y El secreto de sus ojos se ha llevado consigo el Goya como mejor película hispanoamericana.

Tras el salto podéis ver el listado completo de ganadores.

Pero ¿de verdad, de la buena, No habrá paz para los malvados ? Se perfila el esbozo de una voz de desafío, a la incompetencia y a la corrupción. La espera colectiva de un tipo, a vueltas de todo, que le plante narices a la amoralidad oficialmente extendida y destripe todo el negocio. Acabáramos. Disculpareis la patada en la puerta. Tanta película, jazz y novela negra marcan a uno, digo yo; y si me apurais, también el bourbon tuvo algo que ver, en horas oscuras, con la humildad de un Jim Beam etiqueta negra, pero no tan noir -¡estos franceses!- como la última cinta que el director vasco Enrique Urbizu nos graba en el disco duro. A lo primero, y no es ironía, uno tiene la sensación de que lo nuevo del cine negro internacional es de gatillo fácil y dispara con título largo y denso, como un aperitivo para abrir boca, preparando el fastuoso festín del convite, tipo bodorrio pero en triste. A mí, personalmente, tanta recitación me da sed. ‘¿Qué has visto esta semana?’, preguntaba un colega cinéfilo: antes, El hombre que nunca estuvo allí (hermanos Coen, 2001), No es país para viejos (Coen, 2007), Antes que el diablo sepa que estás muerto (Sydney Lumet, 2007) y, ahora, No habrá paz para los malvados (Urbizu, 2011). Como de niño, cuando se te atraganta la lección: sujeto, verbo y predicado, a palo seco. Nervios, agotamiento, sed y un trago de algo, si te dejan, para aclarar la boca ya pastosa. 

Sujeto, verbo y predicado, decía. En este sentido, la última película de Enrique Urbizu adopta caligráficamente el cine negro de manual, el estereotipado, de un policía en horas bajas que, por azar, tiene que ponerse las pilas y volver a trabajar ‘de verdad’ en un caso que lo implica, y lo hace siguiendo los cánones; una hoja de ruta en tres actos: el sujeto, la presentación del antihéroe y las circunstancias que lo encierran en su vagabundo malvivir; el verbo, un desencadenante con una trama oscura, plagada de complejas ramificaciones, que enlaza con otro asunto sucio, más antiguo, que enturbia la conciencia del protagonista; y un predicado que, aún siendo previsible, cierra de forma eficaz e impactante el círculo de fatalidad que respira la historia en todo momento. Sin moraleja y como manda el modelo.

Poco a poco se va conociendo todo lo refente a la película Room in Rome del cineasta Julio Medem. Lo que hoy os traemos son imágenes que abandonan el campo donde habitaba el sugerimiento dejando paso a la tierra de lo explícito. Es verdad que plasmar una idea, la cual transcurre en una sola noche entre dos amantes, esta abocada a los desnudos. Sin embargo nuestro público, el que hace pocos días celebraba la ceremonia de su Academia con los Premios Goya, esta más que harto de que nuestro cine se limite a los desnudos "gratuitos". Eso al menos es lo que viendo el vídeo que podéis ver tras el salto lleva a pensar.

La historia me parece sencillamente apasionante, la de dos desconocidos que se atraen físicamente y se conocen durante una larga noche. A partir de aquí se puede jugar con su pasado, presente o su futuro dando lugar a un sin fin de diálogos creativos que se intercalen entre polvo y polvo. Para los puritanos, usaré ese dialecto dado que llamarlo "hacer el amor" sería una osadia, pues para existir amor debe haber sentimientos y no llegamos a ellos si no es por el conocimiento de la persona a la que amamos follamos.

Al fin el público conocerá la cinta que representará a España para los Oscars. Será el 2 de ferebro cuando sabremos si “El baile de la Victoria”, de Fernando Trueba, optará a la estatuilla como mejor película de habla no inglesa.

Mientras, aquellos que se acerquen al cine podrán ver una cinta irregular donde se mezcla el lirismo más mágico con el frío provocado por un metraje que de largo se hace vacío e innecesario. Es en esos momentos cuando echas de menos la maravillosa novela de Antonio Skármeta, quién tiene un pequeño papel en el film.

Me confieso enemiga de comparar lenguajes que no tienen nada que ver, como el audiovisual y el literario, por eso me avisa mi subconsciente cuando se le escapa un “es mejor la novela”. Lo único que pretendo decir con esto es que quizás no cumpla con todas las espectativas y que, si no lo hace, es porque hay escenas que sobran, que te sacan de la historia y en las que Trueba se arriesga a una dura crítica por mala dirección de actores. Menos es más, dicen por ahí, y es de buen maestro saber quedarse con lo mejor.

Ciento veintisiete minutos donde, también, encontramos momentos de pura poesía audivisual y reconocemos el genio de Trueba detrás de la cámara. Por ellos merece la pena ir a ver la película.Destacaremos al trío protagonista formado por Ricardo Darín, en la piel del famoso atracador Vergara Grey, y a unos jovenes Abel Ayala y Miranda Bodenhöfer quienes interpretan a Ángel Santiago y Vitoria. Cada uno con su drama vital situado en el inicio de la democracia en Chile.

Si hace unas semanas os hablaba de Celda 211 con interés pero al mismo tiempo con recelo, a día de hoy, una vez peregrinado a la sala de cine, puedo corroborar mis primeras impresiones. Con la salvedad, eso sí, de que ha superado con creces el borrador que tenía dibujado con carboncillo a mano alzada en mi cabeza.

El pasado 6 de Noviembre Daniel Monzón estrenó la que es la cuarta película de su filmografía tras el debut insustancial con El corazón del guerrero seguida de la comedia "typical spanish" El robo más grande jamás contado terminando con la internacional La caja Kovac. Quizás por este motivo, esta cinta carcelaria basada en hechos reales supone una grata sorpresa. Así como a directores de la talla de Alejandro Amenábar se les podría exigir más (veáse el caso de Ágora), Daniel Monzón se destapa en una de las mejores películas españolas del año. Preparaos porque  no  sería de extrañar que viéramos varias nominaciones (entre 5-10) en los próximos Premios Goya 2010 y con total merecimiento.

Si tuviera que describir Ágora con una única palabra, esa sería pasión.

Si tuviera que hacer la crítica empleando una sola palabra, la encargada sería decepción.

Las intenciones de Alejandro Amenábar para con Ágora son grandiosas y su dedicación en estos últimos 4 años total. La película no se hace larga, tampoco pesada. El espectador tiene la certeza de que no ha visto un mal largometraje pero sin embargo conforme va saliendo de la sala se va olvidando de forma acelerada de la historia que le acaban de contar. La indiferencia se apodera, siendo esta un síntoma inequívoco de que algo falla en el engranaje.

La luz de Isabel Coixet se va apagando poco a poco. Es innegable su maestría al frente de la cámara pero tal y como vamos perdiendo las neuronas ella va dejando parte de su talento en cada película que pasa. Lo malo de Mapa de los sonidos de Tokio es que su gran historia se desvanece por un argumento simplista y alejado de la profundidad que merecían sus protagonistas. Son varios los elementos que hacían interesante esta película: Una mujer con doble vida (trabajadora en el mercado de Tokio durante la noche y asesina a sueldo por el día), un hombre poseedor de una vinacoteca , una ciudad llena de embrujo y costumbres tan diferentes a las occidentales, una familia herida por la pérdida de un ser querido…

¿Alguien conoce la película Paintball? Esta visto que no.